在大众的普遍认知里，游戏音乐的地位正日益凸显。
在游戏之外的领域，游戏音乐逐渐从线上拓展至线下，走进了体育场、剧院等以往被视作传统音乐主场的场所。像《原神》《崩坏：星穹铁道》等众多游戏，其音乐品质卓越，足以撑起一场流行演唱会甚至交响音乐会。这些游戏音乐已然超越游戏本身，作为纯粹的听觉艺术，赢得了更多人的欣赏。
与之相应的是，在游戏开发进程中，音乐不再仅仅是剧情玩法和美术的附属品，而是与玩家体验紧密相连的关键环节。在此基础上，游戏音乐的创作理论开始萌发并不断完善，有关其创作方法论的探讨也日益增多。
这种发展趋势在行业中也有所体现。近日，第三届国际数字音乐周在上海盛大举行。若算上其前身上海音乐学院国际数字音乐节，该活动已有十五年的历史。它不仅见证了国内数字音乐领域的迅猛发展，更是相关人才培养与展示的重要平台。每年都有众多行业顶尖人才汇聚于此，分享宝贵经验。
今年的音乐周由米哈游旗下原创音乐团队HOYO - MiX联合承办。在此背景下，《崩坏：星穹铁道》的音乐制作人、星铁Live的总导演宫奇，在音乐周上开展了一场主题为“游戏音乐开发与游戏产业的人员人才需求”的讲座。
讲座中，宫奇以《崩坏：星穹铁道》为例，分享了他对游戏音乐的见解，以及优秀的游戏音乐人才应具备的素质。作为创作出诸多优秀游戏音乐，且身处国内顶尖游戏音乐团队的从业者，宫奇的经验对有志于从事游戏音乐制作的新人而言，具有极强的指导价值。
游戏音乐要登上更大的舞台，离不开更先进的制作理念。
随着游戏行业整体制作水平的提升，音乐作为游戏不可或缺的一部分，受到了更多人的关注。像大编制的交响乐这类高成本项目，在游戏中的应用愈发频繁。然而，这些只是行业水准提升的结果，并非其提升的原因。
整个行业的重大变革体现在游戏音乐的制作流程上。新时代的游戏配乐工业，与传统音乐乃至过去的游戏配乐相比，都存在显著差异。游戏配乐不再仅仅聚焦于旋律与情感，宫奇在演讲中称之为“跨行合作的能力”，例如音乐与程序、美术、策划甚至商务宣传团队的协作与融合。
究其根源，当下游戏音乐的创作已不再游离于游戏之外，作为衬托游戏的辅助元素，而是深度融入整个开发流程，从多个方面影响着游戏的制作。优秀的游戏配乐，需从单纯的背景音乐，进化为能够从情感带动、氛围渲染、信息传达等多个维度为玩家提供情绪价值的“工业艺术品”。
这种转变对游戏音乐制作人提出了更高的要求——优秀的创作者需与开发团队进行更紧密的合作与交流。作为国内游戏音乐的先行者，米哈游在这条道路上持续探索，取得了众多优异的成果。从宫奇在演讲中列举的《崩坏：星穹铁道》实例，我们能深切感受到米哈游在游戏音乐创作上的独特之处。
什么是游戏音乐？
要全面了解游戏音乐的开发流程，首先要明确游戏音乐创作与其他音乐体裁的核心区别——它拥有最为灵活多变的应用场景。
从外在形式来看，宫奇将其大致分为游戏内音乐和市场宣发音乐两类。前者涵盖场景配乐、剧情配乐、战斗配乐等多个方面；后者则是主题曲、宣传片与动画配乐等宣发渠道音乐的总和。
在每个细分类别中，游戏音乐又受到场景、角色、故事等不断变化的要素综合影响，呈现出丰富多样的风格——中国风、电子乐、摇滚乐、爵士乐等，都可能成为配乐的表达方式。对于游戏配乐而言，合适往往比好听更为重要。
例如，在许多情况下，游戏配乐作为流程中的配角，充当某个场景或地图的背景音乐。此时，音乐的作用是烘托氛围，增强玩家的沉浸感，并通过乐器和音乐风格展现游戏的文化和世界观。这就要求音乐在满足相应功能的同时，不能过于突出而喧宾夺主。
在演讲中，宫奇也给出了相应的例子。《崩坏：星穹铁道》中匹诺康尼的场景音乐，就是高质量与功能性的完美结合。作为一个灵感源自咆哮年代美国的独特世界，匹诺康尼的音乐充分汲取了二十年代Bigband爵士乐的元素，营造出一种纸醉金迷的奢华氛围。同时，广泛运用合成器，构建出一种缥缈的疏离感，避免了正统Bigband音乐可能带来的过于喧闹。最终呈现出一种被消费主义梦幻泡沫包裹的情绪，与匹诺康尼“梦境之都”的主题高度契合。
《崩坏：星穹铁道》匹诺康尼全新音乐专辑《飞来波的圣状（下篇）The Flapper Sinthome Disc2》
除了营造场景氛围，游戏音乐在很多时候也要担当主角。在剧情高潮的过场动画以及重要的Boss战等场景中，玩家的注意力高度集中，音乐调动情绪的能力会被成倍放大。此时，游戏音乐必须能够强烈地引导玩家的情绪。
例如，星铁中可可利亚Boss战时的音乐《野火》，通过主歌原声吉他和副歌失真 + 人声嘶吼的情感对比，精准掌控了玩家情绪的走向，使玩家随着音乐的变化产生情感上的高潮，堪称音乐作为主角的典范。
除了作为背景，游戏音乐还有许多突破传统形式的可能性。例如，星铁在游戏中塑造了一位虚拟歌手知更鸟，通过为其打造曲目在游戏中播放，增强了游戏的真实感。游戏的宣发音乐，则更接近影视音乐的配乐思路，通过配乐为玩家和大众构建记忆点，实现宣传效果。
《崩坏：星穹铁道》以及米哈游在音乐方面的高投入和创作理念的实践，不仅带来了高质量的游戏音乐，也对整个行业产生了影响。越来越多的厂商开始重新审视游戏音乐的重要性，将配乐的地位提升到与玩法、美术同等重要的高度。
在玩家层面，像《原神》《崩坏：星穹铁道》等高品质音乐，极大地改变了玩家，尤其是二游玩家群体对游戏音乐的认知。他们开始关注游戏精致的配乐，对其进行讨论和鉴赏，并对不同游戏的音乐进行比较。
玩家审美水平的提高和对音乐重视程度的增加，拉高了整个行业的音乐创作标准，促使各大厂商加大对音乐的投入。一个明显的标志是，发布原声带、举办大规模线下音乐会，几乎成为当下头部二游的标配。玩家也乐于支持和传播高质量的游戏音乐。
行业整体水平的提升，产生了对高水平音乐人才的更多需求，最终推动整个产业实现良性发展。例如国际数字音乐周这样的大型活动，就是行业发掘高水平人才的优质平台。米哈游等头部企业的参与，体现了对游戏音乐人才的重视。拥有庞大音乐团队和充足预算的HOYO - MiX，在校企合作、人才培养和就业方面，能够提供丰富的机会。
游戏行业需要培养怎样的音乐人才？
一名优秀的音乐人，未必能成为优秀的游戏音乐创作者，相反，这往往只是游戏音乐创作之路的起点。宫奇在演讲中强调，优秀的游戏音乐人必须是“复合型人才”，并列出了三个特质——能够根据实际的游戏使用环境进行作曲、能将音乐以精巧的设计和规则融入游戏或影片、对创作结果负责。
很多时候，游戏音乐的创作类似于“命题作文”，创作者需要根据具体的场景、情境创作出合适的音乐。这与影视配乐有相似之处，但不同的是，游戏配乐需要处理的问题更为复杂。这就要求创作者既是“命题作文”的高手，又具备极强的创造性思维和创新能力来应对这些问题。
一个典型的例子可以说明这一点，即音乐如何应对游戏玩法的混合和玩家行为的不可预测性。在《原神》《崩坏：星穹铁道》等开放世界游戏中，这些问题尤为突出。在探索过程中，玩家的情绪会随着故事的线性推进而变化，游戏配乐也需相应改变。但有些玩家会长时间停留在较为开放的流程中，此时就需要为玩家提供循环播放的背景音乐。
这些线性和非线性的流程往往相互交替，这就要求创作者在同一套曲式下，将两种音乐进行整合，在应对不同情况的同时确保音乐风格的连贯性。
面对这样的“命题作文”，创作者需要通过创新的方式来满足复杂的条件。例如，针对上述情况，宫奇认为可以预先设定曲目的主题，然后采用“发展（线性）——循环（非线性）——发展（线性）——循环（非线性）”的结构。像前面提到的可可利亚Boss战音乐，就体现了类似的创作逻辑。音乐在循环的同时，会根据玩家的行动改变节奏，最终实现无论玩家如何操作，音乐都能与玩家情绪同步的神奇效果。
再如前文提到的知更鸟。在游戏配乐中，完整的演唱曲目通常出现在开头或结尾，用于推动玩家的情感高潮，很少作为游戏的背景音乐。但星铁通过让知更鸟成为游戏世界中歌姬的演唱曲目，在游戏场景、实战场景中播放，使其成为增加游戏真实感、展现虚构世界观和文化的工具。
要使音乐与游戏紧密结合，不仅需要创新思维，还需要从更高的视角参与创作。宫奇称之为“开发者视角”。在当前的游戏开发流程中，音乐人创作时往往只能看到早期的概念草图、分镜文案，音乐制作与开发进程同步进行。
在这种情况下，与其他部门的沟通与合作至关重要。为角色配乐时，需要向编剧了解角色的性格特点和故事；为场景配乐时，需要向美术了解画面设计的逻辑；为战斗配乐时，则需要向策划了解数值和战斗机制给玩家带来的情感变化。这就要求音乐人不仅要精通音乐，还要对其他开发流程有足够的了解。这样既能创作出优秀的游戏配乐，又能提高开发效率，适应游戏工业化的节奏。
在宫奇看来，具备这种素质的音乐人，可被称为“游戏音乐开发者”。在这种理念的推动下，HOYO - MiX取得了显著成效。以《崩坏：星穹铁道》为代表的米哈游作品，在高频率更新的压力下，仍能稳定产出高质量的音乐。经过锻炼的团队成员，都能成为符合现代游戏开发要求的复合型人才。HOYO - MiX在输出人才的同时，也能吸引更多有才华和志向的游戏音乐人加入，成为推动行业发展的强大动力。
结语
《崩坏：星穹铁道》中游戏与音乐的完美融合，为行业树立了新的标杆，行业和玩家都有目共睹。
无论是海内外对《崩坏：星穹铁道》音乐的深入分析和赏析，还是玩家的高度赞扬，都证明了优秀的游戏音乐对玩家体验有着至关重要的影响。相信这将促使更多的游戏厂商更加重视游戏配乐的重要性。这也符合HOYO - MiX参与数字音乐节的初衷——以他们的方式，推动游戏音乐领域的发展。
